INVESTIGACIÓN INDIVIDUAL 3 DESARROLLO DE UNA ESTRATEGIA DE SEMIOSIS DE PRODUCCIÓN

UNIVERSIDAD DE COSTA RICA
SEDE INTERUNIVERSITARIA DE ALAJUELA
ESCUELA DE ARTES VISUALES
DISEÑO GRÁFICO
INVESTIGACIÓN INDIVIDUAL 3
DESARROLLO DE UNA ESTRATEGIA DE SEMIOSIS DE PRODUCCIÓN
KARINA PLAJA VEGA
A74940
PROFESOR RODOLFO ROJAS ROCHA
I SEMESTRE
2010


INTRODUCCIÓN

En esta investigación se pretende realizar un proyecto documental que investigue el sistema del arte contemporáneo, partiendo del contacto directo y la participación de las diferentes categorías simbólicas que lo componen en el contexto pragmático: artistas (producción simbólica), instituciones, galerías, coleccionistas, críticos y por supuesto el espectador/usuario.

Es por esto que a través de la colaboración (entrevista y sesión fotográfica) de estas cinco clases profesionales, se planteará la problemática existente entre los procesos de institucionalización del arte y el papel que juegan en esa legitimación las mediaciones tanto de los "media" como de los "públicos", en una sociedad que se establece a través de los medios de comunicación y la producción de servicios.

En este proyecto, hacer un análisis de la sintaxis, la semántica y la pragmática de la obra personal, serán de suma importancia para lograr comprobar cada objetivo que se plantea en esta investigación.


OBJETIVO GENERAL

Desarrollar y analizar el proceso de una obra personal (en este caso una pintura abstracta) tomando en cuenta los principios básicos de la Semiosis de producción: la sintaxis, la semántica y la pragmática.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS


1. Realizar un proyecto artístico a partir de un proceso como un laboratorio visual de ideas.

Aplicar los fundamentos vistos en clase de la semiosis de la producción a la obra personal (pintura abstracta) y ver como en ésta se integra la obtención del análisis de la forma, de significados, de propagación del producto, etc.

3. Integrar las discusiones desarrolladas en clase: la dimensión sintáctica, semántica, y paradigmática, asociándolas con la teoría de las lecturas de acuerdo al criterio personal.

MARCO REFERENCIAL

Referencias teóricas:

Abstracción

Tiempo después de la Segunda Guerra Mundial se produce un florecimiento en la abstracción, que afectó tanto a Europa como a Estados Unidos, e incluso Japón. Pero fue diferente en cada lugar.

En Europa se hablaba del informalismo o arte informal, donde rechazaban los medios tradicionales del arte y recurren a materiales poco apropiados hasta entonces para el trabajo artístico, como los yesos, las colas, … ni siquiera pintaban con el pincel, lo utilizaban para arañar superficies espesas, matéricas, y en las que dibujaban arañando, consecuencias de una guerra que les enseñó a todos estos artistas, la fragilidad del ser humano, del cuerpo humano, la vulnerabilidad de una carne que ya no es chair (carne humana), sino viande (carne de carnicería, para cortar y comer).

Con colores fuertes y agradables, utilizados en planos de formas sencillas que contrastan, buscando una síntesis entre abstracción y figuración, con temas como Paisajes y Bodegones, donde aparecen excepcionalmente simplificados pero reconocibles aún.
Mientras en Norteamérica se dio el expresionismo abstracto o Pintura de acción (Action Painting). Allí se encontraban un grupo importante de surrealistas, preocupados por lo irracional, asimismo como artistas procedentes de la Bauhaus, con sus obras de carácter racionalista.

De esta manera, artistas como Jackson Pollock, Wilem de Kooning, Mark Rothko o Barnett Newman, entre otros, marcaron las distintas pautas. Desde una tendencia principalmente gestual y apasionada, basada en el gesto de pintar, como es la de De Kooning o Pollock, hasta otra más serena, resuelta en capas superpuestas de pinturas que crean muros de colores -Rothko-, o la geométrica, fría y plana de Newman que abre paso a la abstracción pospictórica o geométrica posterior, la pintura no figurativa, la pura ausencia de las formas.

Los expresionistas abstractos eran hijos del surrealismo, del subconsciente, del psicoanálisis, del azar... sus investigaciones eran sobre los elementos básicos del lenguaje abstracto: la línea, la forma y el color. Esto gracias a la ayuda de Joseph Albers que transmitió un modelo de abstracción diferente, basada en un racionalismo matemático. Para él el pintar se convierte en una forma de preguntarse formalmente sobre la pintura y sus fundamentos, no sobre el yo que pinta, la simplicidad de estos cuadros y su escala, algo que habían iniciado los expresionistas abstractos. Al respecto Ad Reinhardt mencionó una vez: "Un lienzo cuadrado (neutro, sin forma) con el toque de pincel retocado para borrar el toque de pincel, de superficie mate, plana, pintada a mano alzada (sin barniz, sin textura, no lineal, sin contorno nítido, sin contorno impreciso) que no refleje el entorno -una pintura pura, abstracta no objetiva, atemporal, sin espacio, sin cambio, sin referencia a ninguna otra cosa, desinteresada- un objeto consciente de sí mismo (nada inconsciente), ideal, trascendente, olvidado de todo lo que no es el arte..."

Al final se dieron a conocer oficialmente en 1963 y 1964 dos exposiciones, una en Nueva York -Hacia una Nueva Abstracción- y otra en Los Ángeles County Museum -Post-Painterly Abstraction (Abstracción postpictórica)-. Barnett Newman, Ad Reinhardt, Kenneth Noland, Morris Louis, Frank Stella y Ellsworth Kelly fueron los principales representantes de esta abstracción, con la inseparable presencia de la figura de un crítico, Clement Greenberg, que dio nombre al movimiento en la exposición de Los Ángeles.

Referencias visuales:

Esta fueron las imágenes que se usaron para ser utilizadas como base de referencia en la pintura abstracta:

1.Primera acuarela abstracta de Wassily Kandinsky y en la cuál se basaron las primeras pruebas por sus formas más orgánicas y libres.

2.Suprematismo de Kasimir Severinovitc Malévitch, donde se uso como referencia para la pintura abstracta del proyecto, por sus colores primarios.

3.Number 22 de Mark Rothko, esta también se utilizó como referencia en los colores y en las formas orgánicas un poco más rígidas, para la pintura abstracta.

4.Floral V de Morris Louis, Color Field Painting para la pintura final. Debido a que esta técnica del color field painting se uso para lograr la solución final.

MARCO TEÓRICO

La Semiótica ofrece toda una serie de opciones para concebir mejor como es que se pueden relacionar las imágenes o productos con significados o sentidos. Así como herramientas útiles para el análisis de imágenes y el entendimiento de la relación con los sistemas de significado establecidos de una cultura a otra.

Conjuntamente hay que recordar que la semiosis está dividida en tres partes primordiales: la sintaxis, que es la que estudia las relaciones de los signos entre sí, su forma, la semántica, que estudia las relaciones de los signos y sus significados u objetos y la pragmática, que designa las relaciones de los signos con los usuarios.

De este modo se puede prestar atención que en la semiosis, sus partes están estrictamente relacionadas entre sí. La sintaxis es el comienzo, sin esta no puede haber la semántica, debido a que para estudiar las diferentes formas de significación y sus problemas es inevitable entender ciertas reglas de formación. Igualmente, la semántica es la base indispensable para la pragmática, ya que el uso que se hace del lenguaje reconoce el manejo de los significados destinados a los signos que se manejen.

Según una de las lecturas, el diseño gráfico o la comunicación en sí, tienen que tener una metodología y una logística bien establecida, para poder con esto analizar y desarrollar los objetivos de algún proyecto. Por lo tanto es indispensable primero definir lo que la imagen o el diseño debe de ser y lo que no. Una vez resuelto todo esto, se plantean el nivel de estrategia comunicacional, el de visualización y el de producción. De igual forma, esto implica estudiar el problema, el desarrollo de la propuesta y el anteproyecto, y es durante éste estudio que se efectúa la lista de los requerimientos y la determinación de su importancia relativa.

Cuando todo esto se tiene claro, es el momento para buscar la solución del problema, pero esta tiene que ser racional y exhaustivo, así como incluir muchas maneras de enfocar el problema y de presentarlo para su estudio, incluyendo formas no racionales y visualizaciones tentativas en etapas iniciales. Además concebir el estudio de condiciones y generar información acerca del problema en cuestión.

Es inevitable el saber muy bien lo métodos de diseño que ayudan a desarrollar las diversas estrategias dirigidas a resolver una gama variada de problemas encaminados a abreviar y mejorar la eficacia de los diversos pasos en el proceso del diseño.

Por tanto, ese proceso tiene que cumplir una serie de pasos para lograr llevar acabo su cometido. Primero tiene que haber un encargo del trabajo por parte de un cliente, establecer el presupuesto y definir bien cuál es el problema a resolver. Segundo, recolectar información sobre el cliente, el producto, la competencia y el público. Tercero, análisis, interpretación y organización de la información obtenida. Cuarto, determinar bien claro los objetivos, especificar el desempeño del diseño (lo que se debe hacer). Quinto, encontrar las especificaciones para la visualización. Sexto, desarrollar el anteproyecto: bocetos terminados, consideraciones de forma, tema, código, y técnica entro del presupuesto acordado. Sétimo, presentación al cliente del material obtenido. Octavo, organización de la producción: preparación del diseño listo para reproducir, coordinación de recursos económicos, técnicos y humanos, especificaciones técnicas y arte terminado. Noveno, implementación, supervisión de producción industrial, difusión o instalación. Y por último, el paso número diez, evaluación del grado de alcance de los objetivos establecidos.

Finalmente, con esta síntesis de lo que nos remite a los principios de la semiosis, podremos analizar la pintura abstracta basada en el arte a comienzos del siglo XX, sus características propias o culturales que se le otorgan gracias a la realidad o aquellas que el propio ser humano ha acoplado en su contexto cultural, así como lo que hay en ella, se ven plasmadas en cada imagen por lo general.

De igual manera está involucrando la asociación de diversos signos al interior para establecer las condiciones necesarias para una determinada percepción. Gracias a esto, la imagen establece una representación de la realidad. El signo, constituye una realidad, ya que es solo una creación de una imagen semejante, proporcional o igual a la realidad misma.

MARCO METODOLÓGICO

El Proceso, producción y sintaxis de la obra

Durante todo el proceso de la elaboración del proyecto, se realizó una serie de estudios o prácticas previas al trabajo final con el objetivo de ir estilizando las formas geométricas y orgánicas.

En el primero, se comenzó pintando con base en la música que se puso en clase con el objetivo de ir expresando las emociones que esta transmitía y plasmarlas en las hojas.

Para el segundo ejercicio, se escogió una parte de las pruebas de pintura con música e ir desarrollándola, mejorando la línea, los colores, los espacios, etc. O bien en el caso de este proyecto, se escogió una pintura del primer ejercicio y se calcó los bordes de las pinceladas, para ir formando otra figura, a lo que se le conoce como Color Field Painting y calcar con la ayuda de la mesa de luz, los bordes de las pinceladas. Una vez listo, se sacó fotocopia para ampliarla e ir experimentando con colores y formas en diferentes hojas.

Por último, ya para el trabajo final, se utilizó solo un fragmento de una de las pinturas resultantes del Color Field Painting, utilizando los colores primarios (rojo, azul y amarillo) y el manejo de la línea, la forma y el color, dominados todos lo mejor posible. Teniendo en cuenta que se tiene que pintar con trazos de pincel cargados de pintura, para un mejor acabado (de lo contrario el mismo pincel se encargaba de quitar el pigmento dándole una sensación de rastrillo a la obra). Asimismo se puede colocar un poco de masking tape para no pasarse al otro lado de la figura.

Materiales y técnicas:

Materiales:

1. Canvas, para utilizarlos como soportes ya que el cartón imprimado es más delgado y se puede pandear.

2. Acrílicos, porque duran menos en secar.

3. Pincel plano suave 6, son mejores para los acrílicos porque esparcen más la pintura y la absorben mejor, además en este proyectó se necesita un pincel grande para que abarque más espacio a la hora de pintar.

Técnica:

En esta pintura se utilizaron herramientas, soportes y técnica manuales elaborados con acrílicos

basados en la abstracción. Temas y conceptos: naturaleza, lo natural en relación al ser humano o artificial, lo artificial en relación al ser humano. Formato: L2: 18 x 24 pulgadas.

Forma:

Esta obra presenta la técnica de acrílicos sobre canva, donde se puede observar en el primer plano figuras orgánicas y a su vez los colores primarios que se encuentra tanto el primero como en el segundo plano. Asimismo la línea no esta presente ya que este estilo se caracterizaba por representar la forma y el color más que la forma. De igual manera muestra un recorrido visual que empieza desde el lado izquierdo hasta el derecho de forma circular.

Producción semántica

En el triángulo semiótico solo hay dos relaciones posibles de manera directa: la que se da entre significante-significado y la que se halla entre significado y referente. Por ejemplo, un significante como la palabra carro o la imagen de uno estará relacionado con el significado: …medio de transporte en el cuál se ha trasladado el ser humano y lo ha beneficiado por su utilidad en la carga…, debido a que el significado es el concepto, la idea, la noción, la parte conceptual de un signo y el significante es el aspecto físico y concreto: el sonido de las palabras, el dibujo de una imagen. Por lo tanto, el significado: … medio de transporte en el cuál…, estará relacionado con el referente de un carro de verdad, ya que es la parte de la naturaleza a la que se refiere, (referencia de la realidad). Al final, lo primordial es que existan significantes que indiquen significados y no significantes que indiquen la parte del universo real a la cual esta se refiere, como sucede con la palabra carro y el carro real, el conjunto de estas letras no remiten al vehículo verdadero porque en otros países se puede escribir diferente.

SIGNIFICADO: los conceptos no se pueden representar sin el apoyo de un significante (en este caso la pintura abstracta), por lo tanto al ser una obra de este tipo de género muestra varios significados según la persona que lo vea y en donde esta se encuentre. (Connotativo: subjetividad del receptor).

SIGNIFICANTE:Formas orgánicas de colores primarios, rojas, azules, amarillas, blancas, que poseen un recorrido visual de izquierda a derecha en forma circular.

REFERENTE: en este caso serían arrecifes de verdad (Connotativo).

CÓDIGO: SIGNOS, SÍMBOLOS, SEÑALES:
Es un conjunto importante de mensajes admitidos por signos, símbolos, señales, íconos, índices etc. De esta forma se puede decir que es una coordinación firmemente establecida entre determinados signos y ciertos mensajes dirigidos a receptores.
Para esta obra sería: Símbolo: ya que este tiene varios vínculos y varios denotatum, depende de la cultura y posee un sistema de señales. Asume varios conceptos o nociones.

NIVEL DE ICONICIDAD:
Signo, señal o símbolo icónico parecido al referente denotatum.
Mientras más parecido al objeto real sea más nivel de iconicidad tendrá, fortaleciendo así la relación entre el significante y el referente.
En este caso por ser una pintura abstracta, es de un nivel 1 (1-11), siendo el 1 la menos parecida a la realidad, además por ser una representación no figurativa, tiene abstraída todas las propiedades sensibles y de relación.

GRAMÁTICA VISUAL:
¨ Pincelada suelta.
¨ Representación de lo abstracto.
¨ Modelado bidimensional.
¨ Ilusión.
¨ Paleta de colores primarios.

Producción y recepción pragmática

La forma en que se distribuirá este proyecto será la búsqueda de cualquier tipo de audiencia, desde los más jóvenes hasta las personas de la tercera edad. El objetivo para esto será colocarla en un museo y darlo a conocer por medio de la red social Facebook, ya que con esta página de Internet se puede obtener más opiniones y es más fácil de efectuar, dada a su rapidez, que imprimir un cartel o volante ir persona por persona dando la información que tal vez ni siquiera quieran saber. Asimismo, en tiempos como los de hoy, es muy importante mantener el ambiente y ayudar a la naturaleza, al ahorrarse el papel que se hubiera utilizado en esta propaganda.

Este es el enlace para ver las páginas en Facebook y dar a conocer de forma rápida y gratuita un proyecto visual como esta pintura abstracta:
http://www.facebook.com/photo.php?pid=30696364&op=1&view=all&subj=100001084492935&id=1352165573 http://www.facebook.com/photo.php?pid=30696358&op=1&view=all&subj=100001084492935&id=1352165573

De igual forma se puede al final colocar en algún sitio público para mayor difusión, sin tener que recurrir a los tediosos procesos de ingreso de un museo en particular.

CONCLUSIONES

Gracias a la semiosis, esta permite con su lenguaje extenso pero eficiente, describir y analizar las obras según su forma significado y definición subjetiva. Con la pintura abstracta Arrecife, se analizó según los conceptos básicos de esta material y así poder difundirla y lograr un producto visual de factible, logrando así determinarla como un símbolo acorde a su cultura.

Asimismo durante el transcurso de estas investigaciones, se pudo observar la importancia de la paciencia a la hora de realizar cada uno de las pinturas, no solo con el fin de lograr la pincelada, sino también el de el de entender bien los conceptos de color y de la forma.

La práctica contante, favorece visiblemente el manejo de la pintura, recordando mantenerlo siempre limpio y cargado de pigmento todo el tiempo, una simple pasada con más agua que pintura retira el ya colocado en el soporte. Y si se equivoca, solo se deja secar y se pinta de nuevo

De igual forma la observación correcta, ayuda obtener mejor los resultados deseados, desde saber donde va cada forma hasta el color más adecuado para la composición.
En conclusión, tanto la habilidad y la experiencia que se hayan obtenido durante el proceso como la calidad de los pinceles y el de las pinturas, serán imprescindibles para conseguir entender como se forma una composición abstracta basada en la razón áurea, que se aleja en todo momento de cualquier resultado fortuito.

FUENTES:

-El expresionismo abstracto. arteHistoria. Fecha de consulta: 11 de junio del 2010:
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5477.htm

-Una abstracción constructiva. arteHistoria. Fecha de consulta: 11 de junio del 2010:
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/5497.htm
-González Kreysa, A.M. (2007). Historia General del Arte, tomo 2. Editorial UNED, San José, CR.

-http://rodolforojasrocha.blogspot.com/2009/07/metodologia-proyectual-aplicado-la.html
-TODAS LAS LECTURAS DEL CURSO DE SEMIOSIS DE PRODUCCIÓN.